Raisons non évidentes pour lesquelles nous aimons certains films et avons du mal à en tolérer d'autres

2024 Auteur: Malcolm Clapton | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-17 03:55

Subtilités de montage, techniques de prise de vue et autres astuces qui permettent de ressentir l'ambiance.

Le plus souvent, lorsqu'on parle de cinéma, on parle d'intrigue et de jeu d'acteur. Bien sûr, ce sont des éléments importants de tout film. Mais il se trouve que l'on ne peut quitter des yeux une image, bien que l'action se déroule très lentement, et qu'une autre histoire s'ennuie vite, malgré les nombreux événements. Certains auteurs parviennent à faire croire au spectateur aux virages les plus fantastiques, tandis que d'autres font même des situations réelles comme des jouets. Et c'est juste agréable de regarder certaines cassettes, tandis que d'autres sont difficiles.

Le fait est qu'en plus de l'intrigue et des acteurs, il existe de nombreuses techniques intéressantes que les réalisateurs utilisent pour aider le spectateur à ressentir l'action et à apprécier ce qui se passe à l'écran. Ces subtilités peuvent même ne pas être remarquées, mais elles affectent toujours grandement la perception de l'image.

Spectre de couleurs

La première chose à remarquer est que les couleurs dans les films ne sont souvent pas du tout les mêmes que dans la vraie vie. Cela peut être assez évident (par exemple, si l'image est en noir et blanc), ou vous ne vous en rendez pas compte tout de suite. Mais ce n'est pas un hasard.

Créer une atmosphère

À l'aide de couleurs, vous pouvez mieux transmettre l'atmosphère de ce qui se passe, créer une ambiance pour le spectateur et même montrer les sentiments des personnages eux-mêmes.

Prenons l'exemple de la célèbre franchise X-Men. Dans la série principale de films, l'image lumineuse et riche ressemble à une bande dessinée. Et contrairement à eux dans le noir "Logan", où ils parlent de la vieillesse et de la fatigue du héros, des tons plus pâles sont choisis.

Tiré du film "X-Men: Apocalypse"

Tiré du film "Logan"

Dans le film "Mad Max: Fury Road", la plupart de l'action se déroule dans une zone désertique chaude. Il est logique que la photo ait été prise dans des tons jaune-orangé, qui font sentir le soleil brûlant et la sécheresse.

Pour plus de clarté, vous pouvez prendre un cadre et modifier le schéma de couleurs. Il semblera immédiatement qu'il fait plus froid.

Tiré du film "Mad Max: Fury Road"

Le même cadre, mais dans des couleurs froides

Pour créer une image contrastée, les blockbusters modernes et en général le cinéma de masse sont rendus plus bleus et oranges.

Mais le célèbre Wes Anderson aime une palette rosée douce. Il donne au spectateur le sentiment d'un vieux film romantique. Et tout ce qui se passe est perçu plus calmement et plus facilement.

Lorsqu'ils veulent créer une ambiance futuriste et fantaisiste, ils se tournent aussi souvent vers la gamme bleue. Et ils aiment particulièrement les couleurs néon, qui sont fermement liées dans la tête du spectateur au cyberpunk et à la technologie.

Inutile de dire que les cinéastes d'horreur préfèrent les couleurs sombres. Il y a plusieurs raisons à cela. Bien sûr, c'est en partie une façon de pomper l'atmosphère. Beaucoup de gens ont déjà peur du noir, et dans les films d'horreur, il y a aussi des monstres qui s'y cachent.

De plus, une image sombre permet de masquer légèrement les imperfections du graphisme ou du maquillage et d'économiser sur la production. Certes, il y a un danger à cela: si vous assombrissez trop le cadre, le spectateur peut tout simplement ne pas voir ce qui se passe à l'écran, en particulier dans un mauvais cinéma ou sur un vieux téléviseur. Par exemple, ce fut le cas dans le film 2018 Slenderman.

Bien que certains réalisateurs originaux puissent jouer en contraste. Par exemple, Ari Astaire dans "Solstice" a montré l'atmosphère typique d'un film d'horreur: les héros se retrouvent dans un village isolé où des choses terribles se produisent.

Mais en même temps, l'image est très lumineuse, il n'y a presque pas de scènes sombres et les vêtements des héros sont blancs comme neige. Et cela le rend encore plus effrayant, car il n'y a nulle part où se cacher de l'horreur.

Séparation de parties de tracé

Un film peut avoir plusieurs filtres de couleurs différents. Ils sont utilisés pour séparer les scénarios plus clairement. Et avec le bon talent, cette approche contribue à égayer le tableau.

La matrice est un excellent exemple. Le logo de cette bande a été fait avec des symboles de code vert, désignant le programme dans lequel les gens vivent. C'est pourquoi tout ce qui se passe dans le monde virtuel a été filmé à travers un filtre verdâtre. Et les événements réels sont affichés en bleu.

Une scène du film "The Matrix", action dans le monde virtuel

Une scène du film "The Matrix", action dans la vraie vie

Et ce n'est qu'à la toute fin de la troisième partie, lorsque les gens et les machines ont conclu un accord de paix, que des couleurs bleues et vertes pures apparaissent en même temps dans le cadre.

Dans Inception de Christopher Nolan, les personnages passent du monde réel au sommeil, puis au sommeil dans le sommeil, et ainsi de suite. Afin de mieux séparer les "couches", le réalisateur a choisi sa propre palette de couleurs pour chacune d'elles.

Tiré du film "Inception", le premier rêve

Tiré du film "Inception", deuxième rêve

Tiré du film "Inception", troisième rêve

Au premier niveau de sommeil, tout est filmé dans une palette bleue, le deuxième est jaune, le troisième est blanc. Et ce n'est que dans le dernier rêve que toutes les nuances se rejoignent, comme dans le monde réel.

Dans Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve, différentes couleurs reflétaient à la fois l'emplacement et l'état intérieur du protagoniste.

Tiré du film "Blade Runner 2049"

Tiré du film "Blade Runner 2049"

Tiré du film "Blade Runner 2049"

Tiré du film "Blade Runner 2049"

Tout commence avec le personnage de Ryan Gosling errant dans le brouillard, puis il traverse un désert orange chaud, un futurisme néon et une inondation nocturne. Et l'histoire se termine sur un fond blanc comme neige, reflétant le calme et la purification.

Refus de couleur

Il était une fois, tous les films étaient en noir et blanc. Tout simplement parce qu'ils ne savaient pas tirer autrement et qu'il n'était possible de colorier les cadres qu'à la main. Puis les films en couleur sont arrivés et la cinématographie est devenue beaucoup plus réaliste.

Mais en même temps, la photographie en noir et blanc n'appartient pas complètement au passé. Ils sont encore utilisés à des fins artistiques. Par exemple, pour délimiter différents mondes ou scénarios.

Ainsi, dans "Le Magicien d'Oz" en 1939, la couleur apparaît lorsque Dolly entre dans le monde des fées.

Extrait du film "Le Magicien d'Oz", monde ordinaire

Extrait du film "Le Magicien d'Oz", pays des fées

Dans "Stalker" d'Andrei Tarkovsky, les couleurs sont également absentes de la vie ordinaire des héros. Et lorsque les personnages entrent dans la "Zone" mystique, le monde devient brillant - c'est ici que les gens se révèlent vraiment.

Ou tout de même Christopher Nolan dans la bande "Remember" a montré une partie de l'action dans l'ordre direct, et la seconde - dans le contraire. Ainsi, la moitié du film est tournée en couleur et l'autre en noir et blanc.

Extrait du film "Remember", commande directe

Extrait du film "Remember", ordre inverse

De plus, une image en noir et blanc vous permet de mettre en évidence certains détails de manière plus vive en leur ajoutant simplement de la couleur. Pour la première fois, Sergei Eisenstein l'a fait lorsqu'il a peint manuellement le drapeau du cuirassé Potemkine de 1925.

Par la suite, cette technique a été utilisée dans des genres complètement différents. Dans La Liste de Schindler de Steven Spielberg, l'apparition d'une fille en manteau rouge devient l'un des moments les plus émouvants.

Et même dans le film de bande dessinée Sin City, cette approche est utilisée à plusieurs reprises, en mettant l'accent sur le rouge à lèvres rouge, les yeux brillants ou le sang.

Structure du cadre

Règle des tiers

L'un des principes fondamentaux du cinéma et de la photographie. C'est quelque chose comme une règle simplifiée du « nombre d'or ».

C'est simple: lors de la prise de vue, l'écran est divisé en trois parties verticalement et horizontalement. Les éléments les plus importants pour la parcelle doivent être situés sur ces lignes, ainsi qu'à leur intersection. Cela permettra au spectateur de se concentrer plus facilement sur les points souhaités.

Placer dans un carré

Si vous divisez conditionnellement le cadre en deux ou en quatre parties égales, vous pouvez alors faire comprendre au spectateur sans mots quelle place le personnage occupe dans l'histoire.

Cette technique est plus clairement visible dans le film "Drive" de Nicholas Winding Refn. Par exemple, si le visage du personnage principal est affiché dans le coin supérieur gauche et que dans l'image suivante un autre personnage apparaît au même endroit, cela indique que les personnages seront rivaux.

De plus, le même Refn peut raconter deux histoires en parallèle: dans les parties supérieure et inférieure de l'écran ou dans les moitiés gauche et droite. Le spectateur ne remarquera peut-être pas ce mouvement, mais la perception des personnages sera toujours plus complète. En plus c'est juste magnifique.

Symétrie

Une autre technique psychologique et esthétique à la fois. Souvent, les photos où la moitié gauche reflète la moitié droite sont faites juste pour la beauté.

Mais parfois ils traduisent l'opposition des personnages. Et si le héros se regarde dans le miroir, cela montrera son côté obscur ou la différence entre les rêves et la réalité. Bref, toute allégorie à laquelle on puisse penser pour des réflexions.

Extrait du film "2001: l'Odyssée de l'espace"

Tiré du film "The Shining"

Une photo du film "Joker".

coin hollandais

Pour montrer l'instabilité du protagoniste, ses doutes sur quelque chose ou ses problèmes de mémoire, ils utilisent une technique très visuelle. « Angle hollandais » signifie que l'appareil photo ne filme pas droit, mais incliné. De nombreux exemples de cette approche se retrouvent dans les films de Danny Boyle.

Il est inhabituel que le spectateur regarde l'image sous un angle, il perçoit donc mieux l'état inconfortable du personnage.

Cependant, il est important d'observer la mesure ici. Par exemple, le film désastreux « Battlefield: Earth » a été entièrement tourné sous un angle. Mais dans une heure et demie, le spectateur aura très probablement juste mal au cou.

Prise de vue d'en bas et d'en haut

Une autre des techniques simples mais efficaces qui vous permet de transmettre le sentiment de soi des héros. Ainsi, vous pouvez montrer, par exemple, qui est le maître de la situation. Et puis je me souviens tout de suite des cassettes de Quentin Tarantino, où les personnages regardent dans le coffre.

Tiré du film "Du crépuscule à l'aube"

Tiré du film "Reservoir Dogs"

Et tirer d'en haut vous fait sentir que le héros ne se sent pas en sécurité. Voici à quel point ils l'ont joué de façon amusante dans la célèbre scène du film "What Men Talk About", où le personnage de Kamil Larin, comme un enfant, s'excuse auprès du portier d'un restaurant cher:

Dialogue et mouvement

Action en arrière-plan

Une technique qui est le plus souvent utilisée dans la comédie ou l'horreur. Au premier plan, il ne se passe rien d'intéressant. Et tout le plus important se déroule sur l'arrière-plan, qui peut être assombri ou flou.

Par exemple, le protagoniste du film "Zombie Called Sean" se rend au magasin. Tout est très banal pour lui. Et en arrière-plan il y a une véritable apocalypse:

Selon le genre et la présentation, cela peut créer un effet très amusant ou une tension - si souvent les principaux crieurs sont cachés dans les films d'horreur.

Des conversations en mouvement

Le type de dialogue le plus courant dans les films est que les personnages s'assoient et discutent. Dans ce cas, la caméra bascule traditionnellement entre les visages.

Mais si la scène prend trop de temps, le spectateur se fatiguera de la répétition constante des mêmes angles. Par conséquent, les bons réalisateurs complètent ou modifient le cadre de telles scènes.

Ainsi, dans les films de Quentin Tarantino, les personnages parlent presque constamment. Mais le maître ne vous laisse pas vous ennuyer, car les dialogues peuvent avoir lieu au volant. En raison du changement constant de l'arrière-plan, l'action ne semble pas monotone.

Et même si les personnages sont dans la même pièce, la caméra ne bascule pas comme ça. Elle peut se déplacer autour d'eux, créant un effet de présence et même de participation à la conversation. Presque tous les personnages peuvent être vus sans modification inutile.

Nicholas Winding Refn parvient à utiliser le jeu déjà mentionné avec la couleur et la réflexion dans une simple conversation. Dans Drive, le premier dialogue des protagonistes semble très simple.

Mais en même temps, le personnage de Ryan Gosling est toujours sur fond bleu (cette palette de couleurs l'accompagne tout au long du film). Et l'héroïne Carey Mulligan se tient aux murs orange. Et cela montre que quelque chose les sépare, même s'ils sont proches.

La règle des 180 degrés

Il y a un autre point important pendant le tournage. Si vous déplacez la caméra de plus de 180 degrés lors du changement d'angle, le spectateur sera confus. Par exemple, lorsque le héros court, il apparaîtra qu'il s'est retourné et qu'il se déplace dans la direction opposée.

Et cela est tout aussi important même pendant les dialogues. Afin de ne pas donner l'impression que tout le monde dans le cadre s'est déplacé brusquement, l'opérateur et le réalisateur choisissent une certaine ligne au-delà de laquelle la caméra ne doit pas aller.

Il est curieux qu'une violation délibérée de cette règle puisse être utilisée juste pour embrouiller le spectateur, pour montrer la confusion du héros. Et avec de l'imagination, les auteurs créent des scènes plus insolites. Par exemple, la conversation de Gollum avec lui-même. Le personnage est simplement montré de différents côtés, mais cela crée l'effet qu'il y a deux haut-parleurs et qu'ils sont en dialogue.

Caractéristiques d'installation

Le montage permet de dynamiser l'action du film, de "sauter" les moments ennuyeux de la vie et de voir ce qui se passe sous différents angles. Sa forme la plus simple est narrative. C'est-à-dire que les événements du cadre se déroulent les uns après les autres. Cela a été très clairement expliqué dans L'Homme du boulevard des Capucines.

Mais vous pouvez montrer les événements du film d'une manière différente, et pour cela, ils utilisent des techniques différentes.

Installation en parallèle

Contrairement à la narration séquentielle, les auteurs veulent parfois que le public voie ce qui se passe en même temps à différents endroits. Et puis les réalisateurs se tournent vers le montage parallèle.

Cela rend l'intrigue plus mouvementée. Mais vous devez être prudent. Après tout, si vous montrez tour à tour les scènes qui se déroulent en même temps, vous pouvez avoir l'impression que chacune d'elles dure plus longtemps.

Un exemple frappant d'édition parallèle infructueuse est "Furious-6". Les héros tentent de s'échapper à bord d'un avion qui longe la piste, des voitures les poursuivent et une bagarre a lieu à l'intérieur du paquebot.

Les auteurs démontrent tellement d'événements à la fois qu'à l'écran l'avion semble accélérer pendant au moins 15 minutes. Inutile de dire que cela tue tout le réalisme de la situation ?

Christopher Nolan, quant à lui, est largement considéré comme un maître du montage parallèle. Le réalisateur l'utilise dans plusieurs de ses œuvres, mais The Beginning en est le meilleur exemple. Des événements à différents niveaux de sommeil se produisent simultanément et à des rythmes différents (dans un sommeil plus profond, le temps passe plus lentement).

Ici, la séparation des couleurs déjà mentionnée s'ajoute à l'action et le spectateur ne se perd pas dans ce qui se passe, mais réalise toute la globalité des événements.

À propos, il est intéressant de noter que dans le film "Dunkerque", Nolan est encore plus spirituel avec cette technique. Il montre en parallèle les événements se déroulant au sol, dans l'eau et dans les airs. En fait, la chronologie est complètement différente, et tout ne converge que dans le final.

Flashbacks et Flash Forwards

Parfois, les auteurs intègrent leurs souvenirs du passé - des flashbacks - dans l'histoire linéaire des héros. Il peut s'agir de flashs très courts de quelques secondes ou de scénarios complets.

Un grand fan de tels moments est Jean-Marc Vallée. Ainsi, il ajoute de la tension aux scènes apparemment calmes. Ou il fait comprendre que le personnage trompe quelqu'un: il dit une chose, mais quelque chose de complètement différent apparaît dans ses souvenirs.

Il n'est pas difficile de deviner que les flashforwards sont les mêmes histoires, mais du futur. Ils sont moins souvent utilisés, généralement dans la science-fiction ou les histoires mystiques. Sur une telle technique, ils ont même construit toute une série, où, lors d'une certaine éclipse, chacun a vu un instant de son avenir.

Et plus loin dans l'intrigue, chacun essaie de découvrir les raisons de ce qui s'est passé et de comprendre le sens de ses visions. La série a été nommée ainsi: Flashforward (en traduction russe - "Rappelez-vous ce qui va se passer"). Certes, il n'a duré qu'une saison.

Coupe sautée

Cette technique s'applique déjà à l'édition linéaire. Cela signifie une transition nette entre les images. Ils l'utilisent à des fins complètement différentes.

Dans Little Shop of Horrors de Frank Oz, un tel montage aide à montrer le passage long et ennuyeux du temps.

Mais Lars von Trier, qui utilise aussi souvent le jump-cut dans ses œuvres, traduit ainsi le stress émotionnel et l'instabilité psychologique des personnages. Une prise de vue comme celle-ci rend la photo plus "nerveuse". Dans la cassette "Idiots", c'est très approprié:

Montage dans la forme et le son

Pour que les différents événements montrés dans le film soient perçus comme une continuation les uns des autres, les auteurs utilisent souvent des coïncidences visuelles. C'est-à-dire que les contours d'un objet dans une image sont répétés dans la suivante. Et parfois, cela peut sembler très spirituel.

De même, vous pouvez « accrocher » le spectateur avec le son. Le cri se poursuit avec le sifflement du bateau à vapeur, et le grondement industriel est remplacé par une musique du même tempo. Ou le sifflement d'un tuyau endommagé se transforme en un crépitement de viande rôtie.

De plus, le son peut être légèrement en avance ou en retard par rapport à ce qui est affiché à l'écran. Ceci est fait pour rendre les scènes plus connectées. C'est-à-dire que le spectateur entend toujours la parole et les bruissements de l'image précédente, mais l'action a déjà changé. Ou vice versa.

Manque d'installation

C'est un geste audacieux: les réalisateurs tournent de longues scènes sans aucun montage, ou le cachent de diverses manières.

Cela rend ce qui se passe à l'écran plus réaliste, donne au spectateur une idée du rythme de l'histoire elle-même. Mais, bien sûr, cette approche nécessite beaucoup plus de répétition et d'investissement. Après tout, pendant le traitement, vous pouvez découper de petites choses infructueuses.

Ainsi, Joe Wright dans le film "Expiation" a montré une scène de cinq minutes avec l'évacuation des troupes de Dunkerque pendant la Seconde Guerre mondiale. 1 300 personnes ont été impliquées dans la scène de foule, avec des équipements se déplaçant dans le cadre et des explosions se produisent en arrière-plan. C'est cette approche qui traduit toute la tristesse et le chaos de ce qui se passe.

Les technologies modernes permettent de gérer l'installation avec plus de précision. Et cela a aidé Alejandro Gonzalez Iñarrit à tirer sur Birdman. Dans celui-ci, vous ne remarquez même pas immédiatement que toute l'action est affichée dans une seule image continue.

En fait, le montage est là, mais caché. Les épissures sont faites lorsque la caméra passe à travers un élément sombre.

Et "l'arche russe" d'Alexander Sokurov semble encore plus forte. L'action se déroule à l'Ermitage, et le réalisateur s'est vu accorder une journée pour le tournage. Par conséquent, il a décidé de prendre la photo sans collage.

Il a fallu sept mois de répétitions avec 800 figurants. Du coup, dès la troisième prise, ils ont tourné tout un film d'une durée de 1h27.

En fait, il y a beaucoup plus de telles subtilités. Mais beaucoup d'entre eux nécessitent déjà une connaissance approfondie de la réalisation et de la cinématographie. Ce ne sont que des exemples simples que l'on peut voir dans de nombreux films. Et lors de la visualisation de la photo suivante, vous serez certainement frappé par le "Dutch corner" ou un long cadre sans retouche. Mais cela ne détruira pas la magie du cinéma, mais, au contraire, rendra le visionnage encore plus intéressant.